Un nouveau cycle de représentations d’Antigone

Un nouveau cycle

Les dates

Le spectacle Antigone va être repris pour dix représentations exceptionnelles au Théâtre du Nord-Ouest :

  • Dimanche 27 avril, à 17h15 ;
  • Dimanche 4 mai, à 17h ;
  • Vendredi 9 mai, 20h45 ;
  • Dimanche 11 mai, 20h45 ;
  • Mardi 13 mai, 20h45 ;
  • Dimanche 18 mai, 20h45 ;
  • Vendredi 23 mai, 20h45 ;
  • Dimanche 25 mai, 17h ;
  • Samedi 31 mai, 20h45 ;
  • Dimanche 1er juin, 17h.

Quelques changements dans la distribution

Deux des acteurs de la troupe, Mourad et Saïd, nous ont quittés pour cette nouvelle série.
L’un part tourner dans le Sud, dans une série, justement, mais télévisée. L’autre prend un tournant de vie.
La vie, encore et toujours, qui nous porte sur ce spectacle. Un nouveau cycle nous porte vers une autre histoire.
Cela signifie aussi deux nouveaux interprètes.
Thomas Deschamps incarnera Hémon.
Franck Boya interprètera le messager.

La première : dimanche 27 avril à 17h15

Reprendre un spectacle, ce n’est pas aussi angoissant que de le créer. Tout nouveau cycle est la suite d’une naissance et la continuité de la vie.
Des repères ont été mis en place, dans l’espace et dans les corps, des liens se sont créés, du plaisir a été partagé. Le texte a été assimilé.
Malgré tout l’acquis des premières représentations et le fait d’avoir su, tous ensemble, passer l’épreuve du public, il ne faut pas oublier que chaque représentation est unique. C’est d’ailleurs ce « ici et maintenant » qui fait la spécificité du théâtre. Le spectateur venu à plusieurs représentations d’Antigone aura vu des interprétations différentes, aura vécu des moments différents.
Nous avons répété avec les nouveaux interprètes de Hémon et du messager. Ils ont apporté leur humanité, leur charge de vie et je les salue ici, et les remercie d’avoir rejoint cette aventure.
Nous sommes vivants, c’est beau.

De nouveaux spectateurs

Si vous n’avez pas encore vu le spectacle, courez-y. Allez lire les critiques sur BilletReduc ou sur ce site. Vous pouvez être touché par l’émotion qui a débordé lors de la troisième représentation, les leçons à tirer par l’acteur dans ma présentation de la deuxième, ou ma description de cette aventure qu’est une première. Vous serez peut-être intéressé par mes aveux.
Vous pouvez vous intéresser à la troupe elle-même. Quoi qu’il en soit, n’hésitez pas à parcourir ce site en tous sens: il permet de connaître l’histoire de cette aventure et de lire au plus près nos témoignages.

La troisième – L’émotion

Que dire lorsque le public est venu nombreux et que l’émotion a été au rendez-vous ?

L’émotion

L’acteur, vecteur des mots, l’est aussi de l’émotion. Il a pour fonction de transmettre au spectateur un mouvement intérieur qui le grandisse, qui l’élève, qui lui permette d’atteindre à ce qui le dépasse, à ce qui nous dépasse. Antigone est de ces pièces dont le texte nous rapproche de nous-mêmes, qui interroge la vie-même. Il peut donc sembler naturel que l’émotion, non seulement affleure, mais parfois emporte l’acteur ou le spectateur.

Le public

Nombreux ce dimanche 1er décembre, merci à lui !, le public a presque manqué de places. À l’heure où il est si souvent clairsemé, cette affluence fut un réel plaisir car le public n’est jamais trop nombreux.
Il a fallu rajouter des sièges, autoriser les spectateurs à s’assoir sur les marches, prendre le temps de l’accueillir (car cet accueil est une des bases de la représentation)… et il fut excellent ! À l’écoute, réactif, sensible, réceptif, il a pleinement joué son rôle, donné son énergie et reçu la nôtre (la contemporaine et celle venue du fond des âges, celle de Sophocle).

L’émotion chez l’acteur

Outre les mots, l’acteur joue sa partition des sentiments, en fonction de ce qui le traverse, des affects jaillis du jeu, du je, du plateau, de son écoute de l’instant, des relations avec ses partenaires.

Quand l’émotion déborde

Lors de cette troisième représentation, l’expression des sentiments s’est lâchée, les larmes ont coulé, les fêlures des personnages ont craquelé les nôtres, celles des acteurs.
Autant l’émotion surgie en soi, en l’être de l’acteur, celle que d’aucuns nomment du personnage, et qui lui fait toucher à cette intimité avec le texte, est un trésor, une incarnation précieuse, autant le fait d’être submergé par cette émotion, d’être atteint par sa définition même, c’est-à-dire par un trouble psychologique, et de précipiter le texte, de s’y réfugier avec la volupté de qui s’abandonne au flux intérieur, de perdre toute mesure dans les sanglots, est dangereux pour l’interprétation de l’œuvre même.

Une règle : la tenue

De même que l’acteur ne doit jamais se plaindre quand il se tient debout sur la scène (et quoi de plus merveilleux, de plus miraculeux même, que de faire entendre la parole des morts ?), de même il doit toujours tenir l’œuvre debout et ne jamais s’abandonner à l’apitoiement sur soi-même.
Et qu’y aurait-il de plus misérable qu’un acteur qui se laisserait aller sur scène, qui pleurnicherait, qui geindrait ?

Un point d’appui : les mots

Si l’émotion surgit, tel un tourbillon, un tsunami intérieur, qui déchire le cœur de l’acteur, ce dernier ne doit pas perdre pied. Les mots lui offrent leur appui et existent pour lui permettre de rester droit. Quand les larmes apparaissent et chevrotent sa voix, l’acteur doit s’accorder le temps de respirer, de reprendre le contrôle de celle-ci, qui est son chemin, son support de jeu, pour se redresser et porter la parole de l’auteur disparu des siècles auparavant.
Même si cette parole venue du fond des âges l’a bouleversé, c’est d’abord le spectateur qu’elle doit atteindre et, pour cela, l’acteur doit, et raison garder, et aussi toute sa lucidité.

L’émotion : retour aux sources

Il est d’ailleurs amusant de revenir à la définition de ce terme.
Le petit Robert 2013 nous dit de l’émotion :

  1. vx Mouvement, agitation d’un corps collectif pouvant dégénérer en troubles
  2. État de conscience complexe, généralement brusque et momentané, accompagné de troubles psychologiques (…)

Intéressant ! Et si l’émotion n’était pas si désirable que ça ?

Conclusion

Être étonné, frappé par la foudre, la prise de conscience, est à souhaiter pour le spectateur, c’est-à-dire un bouleversement intérieur qui le rapproche de lui-même, de son intimité, par l’esprit et l’âme (n’ayons pas peur des mots !).
Le paradoxe est que l’acteur, pour provoquer ce transport intérieur, ne doit pas être lui-même trop emporté, mais en donner l’illusion, et suggérer plutôt que souligner.

Mais n’est-ce pas l’objet de toute forme d’expression artistique ?

Pierre-François Kettler

La deuxième

Une habitude ou une tradition ?

La « deuxième » a mauvaise presse au théâtre. Après l’éclat de la première, où l’œuvre a été exposée pour la… première fois au public, un peu de l’énergie initiale est retombée, et fréquentes sont les chutes de rythme lors des secondes. Voilà pourquoi les « deuxièmes » ont mauvaise réputation.
Mais ce n’est pas de cela dont je vais parler ici, même si je vais prendre comme point de départ l’état dans lequel je me suis trouvé, en tant qu’acteur, à la fin de cette « deuxième ».

Le ressenti de l’acteur après la représentation

Que dire, qu’écrire quand l’acteur a l’impression d’avoir raté sa représentation, de n’avoir pas été dedans ou même, comme il lui arrive de dire, d’avoir été mauvais comme un cochon (pauvre porc, coupable, malgré sa soie, de tant de maux !) ?
Il m’est souvent arrivé, autrefois, de sortir de scène mécontent de mon parcours et de l’exprimer aux amis venus m’applaudir. Je pestais à haute voix contre mon manque d’engagement, mon absence d’état de grâce, mon manque de talent… devant des camarades qui, bien évidemment, se récriaient (Pas toujours les copains acteurs, mais ceci est une autre histoire…)

Ego et parole

Il m’a fallu quelques années avant de comprendre que ce n’était pas parce que mon ego n’était pas satisfait de sa prestation qu’il me fallait l’exprimer après le spectacle.
J’ai fini par entendre en moi une petite voix qui me soufflait : À la fin d’une représentation, l’acteur, quand retourne le personnage avec son costume dans la poussière de l’histoire et de l’auteur disparu quelques siècles auparavant, l’acteur doit se taire.

Le spectateur

Le spectateur est venu, il a vu, il a reçu. Chargé de ces mots, de ces images transfigurées par le verbe, il ressort bouleversé ou, du moins, oscillant entre deux mondes. Cet état, qui peut être de grâce, mérite le respect. Il ne nous est pas toujours donné d’entrer en communion avec nous-mêmes. C’est le propre des grandes œuvres de nous faire plonger dans nos profondeurs.

L’acteur et ses états d’âme

Parfois, le malaise qui doit habiter les mots dits par le personnage verse dans l’acteur, et ce dernier se déconsidère, mécontent de lui-même, projetant ainsi ses frustrations.
Il a tort.
L’art du théâtre prend place ici et maintenant.

Alchimie

Quand les lumières du rêve, du spectacle, s’éteignent, le spectateur a reçu un cadeau, un trésor (qui, désormais lui appartient) et, tel un alambic, il lui échoit (ou non) de donner son point de vue afin d’exprimer son ressenti ou, du moins, le regard qu’il a porté sur l’œuvre. Il lui est donné de recréer, de refaire le parcours des créateurs du spectacle auquel il a assisté.
Il est alchimiste, il lui est loisible de transformer le plomb en or.

Le rôle de l’acteur

L’acteur ne peut et ne doit plus interférer en cette opération livrée au plus intime de soi.
Les regards sont dissemblables, les points de vue différent (et c’est aussi la grandeur du théâtre qu’aucune représentation ne ressemble à une autre ; et pour l’acteur ; et pour le spectateur).
Certains incidents, qui semblent des catastrophes pour l’acteur illuminent la soirée de certains spectateurs et en agacent d’autres. C’est ainsi, sensibilités et perceptions différent.

Le rôle du spectateur

Il appartient au spectateur de recevoir. Une fois que l’acteur est sorti de scène, il n’a, par définition, plus de rôle à tenir. Ce dernier n’a plus à interférer dans ce qu’a reçu celui venu l’applaudir.
Certains metteurs-en-scène ou directeur de théâtre, considèrent qu’il doit juste dire merci et retourner à l’obscurité de la nuit qui l’a, pour quelques temps, jeté dans le théâtre.
Pour ma part, je considère que le théâtre est d’abord échange, et chacun peut remercier l’autre d’être venu à sa rencontre ce soir-là.

Le silence

Les mots sont-ils nécessaires après la représentation ?
Le silence, ce que d’aucuns nomment le recueillement, est ce qui me parait le plus juste après la représentation… comme après toute réception d’œuvre (peinture, sculpture, poésie, cinéma, musique et… théâtre).
Où êtes-vous cachées, déesses des arts, ô muses ?
En chacun d’entre nous, dans toutes nos diversités.
Ce silence intérieur est nécessaire pour le spectateur qui rentre chez lui, dépositaire d’un secret capté par ses sens et son esprit et qu’il ne peut et ne doit révéler qu’à lui-même.
L’acteur, de même, rentre chez lui et il retourne aussi au silence.
Métaphore de la vie, le théâtre, quand s’éteignent les lumière, retourne au silence.
Ce sont les silences qui ont permis au spectateur d’entendre, de percevoir, de rêver, lors de la représentation.
Ce sont les silences qui ponctuaient les paroles de vie données par l’acteur sur scène.
C’est le silence qui permet à l’acteur et au spectateur de retourner au quotidien, au brouhaha de la vie.
…Afin que renaisse la parole

Pierre-François Kettler

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Antigone – Aveux

Le dossier d’un spectacle

Je me suis toujours demandé comment on pouvait réaliser le dossier d’un spectacle (quand il s’agit d’une œuvre du répertoire ou, a fortiori, d’un auteur contemporain), sans l’avoir interrogé, sans avoir questionné le texte sur le plateau.
Ce site va être le « dossier » de la pièce Antigone, de Sophocle, mise en scène par mes soins.

Le plateau

J’appelle plateau cette scène dans laquelle se joue la représentation et qui est d’abord le lieu de répétition.
J’appelle plateau cette nudité offerte par les acteurs sur la scène quand ils se laissent traverser par un texte, exposés au regard d’autrui. Et autrui, avant d’être le spectateur est le metteur en scène et toute l’équipe qui l’assiste dans cette création.

Voir ou ne pas voir ?

Il est des metteurs en scène visionnaires, des peintres du mouvement, qui voient le texte comme une fabrique à images et qui font travailler leurs acteurs en ce sens.
Je ne suis ni visionnaire ni voyant, tout juste un peu voyeur. Car il faut être voyeur pour accompagner les acteurs dans leur dévoilement progressif vers ce moment qui sera la représentation.

La nudité

L’avantage de cette création est qu’elle a commencé sans un centime.
Elle est le fruit d’années de réflexions sur la pièce elle-même, et de rencontres avec des hommes et des femmes remarquables. Certains étaient des enfants quand je les ai rencontrés. Ils sont maintenant des hommes ou des femmes, et irradient la scène de leur présence.
Sans un sou, quand on monte un spectacle sans fortune personnelle (et je n’ai, de ce fait, pas les moyens de faire des dettes), il n’y a que l’indispensable qui apparaît.

Quand je parle de « réflexions », je l’entends au sens de l’écoute de ce qui nous échappe dans une œuvre, de mes tentatives intérieures de m’approcher de son universalité. Je ne parle pas de l’approche intellectuelle. Le travail théâtral, à mon sens, ne se situe pas à ce niveau.

Premier aveu : la solitude

J’ai arrêté toute mise en scène en 2005 parce que toutes les subventions (exceptées celles de la ville de Pantin que je remercie au passage) versées aux Enfants du paradis, la compagnie que je dirige, ont été supprimées sans raison. D’autre part, j’étais incapable de vendre mes spectacles, sinon sur des « coups » ponctuels. Enfin, je ne supportais plus ces dossiers à remplir, ces conseillers de ministère ou de Conseils Généraux ou Régionaux à courtiser, ces mondanités, ces invitations à envoyer à des « responsables » qui n’avaient déjà plus le temps de venir.

Deuxième aveu : la nécessité d’une troupe

Pour moi, mettre en scène, c’est d’abord rassembler une équipe, une troupe, avec l’objectif d’interroger une œuvre, tous ensemble.
Il y a ceux qui voient, ceux qui entendent et ceux qui ressentent. Je me range dans les deux dernières catégories. Pour mettre en scène, pour voir la scène, un peintre, un scénographe, un « voyant » m’est indispensable.

Troisième aveu : la vie

Je mets en scène en construisant sur du vivant, avec du vivant.
Mettre en scène, c’est redonner la parole aux morts. Seul le miracle de la vie peut accomplir ce prodige.
Je ne mets pas en scène des images en amont d’un spectacle, j’en suis incapable. J’ai besoin de saisir le fond d’une œuvre, d’être imbibé d’elle, dépassé même par elle, pour que surgisse parfois une évidence qui s’impose d’elle-même ; et il se trouve qu’elle est, parfois, visuelle.
C’est le plateau qui me donne ces réponses, comme des évidences qui se dévoilent soudain. Le geste d’un acteur prend sens et accord profond avec le texte. La position des uns et des autres équilibre le plateau de façon parfaite sans que je l’ai décidé en amont…

Sophocle

Je suis vivant : c’est beau. Je dois aux dieux un beau cadeau. dit le soldat dans Antigone.
Toute la pièce repose sur cette beauté, ce miracle (je le répète) qu’est la vie. Quelle que soit la situation matérielle dans laquelle nous vivons, nous sommes vivants, et c’est beau !
Qu’y a-t-il de plus important comme message à porter sur la scène, aujourd’hui où la finance devient le seul dieu reconnu par la majorité des citoyens du monde ? Où nous oublions la valeur de la vie, de la conscience ? Et cette conscience, n’est-elle pas ce que nous devons assumer, pour goûter la valeur de notre vie, de la vie ?

Pierre-François Kettler

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